Jardins ouverts : des sculptures futuristes qui révèlent le vivant caché de nos jardins

Cloportes, mille-pattes, araignées ou encore scorpions, les arthropodes sont les protagonistes des œuvres de l’artiste Raphaël Emine. Dans le cadre de Jardins ouverts 2025, il expose son art à la Maison de Châteaubriand. 

Suspendues dans les arbres du parc de la Vallée aux Loups à Châtenay-Malabry (92), les sculptures aux allures futuristes semblent surgir d’un univers de science-fiction. Pensées pour être traversées ou habitées par les insectes, elles transforment leur passage en spectacle discret et invitent le public à poser un nouveau regard sur ces petites vies souvent invisibles. Une exposition gratuite à découvrir jusqu'au 31 août 2025.

Quel est votre parcours ? 

Raphaël Emine : Après mes études aux Beaux-Arts, j’ai débuté comme décorateur dans le set design [NDLR : la conception de décors pour mettre en valeur des produits], ce qui m’a éloigné de la pratique artistique. Je me suis remis à l’art presque par hasard en travaillant la céramique dans un petit four de l’atelier où je travaillais. Très vite, j’ai eu envie de créer des pièces plus grandes et d’y intégrer des formes de vie organiques. Au fur et à mesure, mon atelier du 19e arrondissement de Paris est devenu un véritable laboratoire : c’est un lieu collectif, avec un jardin où je fais mes expérimentations avec les insectes. On peut y retrouver mes sculptures, à l’occasion d’événements ouverts au public. Puis, j’ai commencé à exposer dans des festivals d’art et de paysage. En 2023, j’ai proposé une exposition « Jardin du monde en mouvement » à la Cité internationale de Paris ; en 2024, j’ai fait les hortillonnages d’Amiens, puis une exposition d’un mois dans un parc de Marseille. 

L’idée de Jardins ouverts est de relier pratiques artistiques et lieux naturels. Comment votre travail s’inscrit-il dans cette démarche ?

Pouvez-vous expliquer votre travail de combinaison entre le minéral et l’organique ?

R.E : Je travaille principalement l’argile, du minéral pur. Après lui avoir donné forme et l’avoir séchée par cuissons, on obtient un objet qui peut traverser les millénaires, contrairement à la vie que j’y fais croître. Malgré leur passage fugace, les bactéries, les plantes, les insectes laissent une empreinte durable dans la matière en en modifiant la texture et la couleur. Elles apportent le mouvement propre au vivant. Cette rencontre entre l’éternel et l’éphémère m’intéresse particulièrement. Mes sculptures deviennent ainsi des micro-mondes, sortes de biotopes miniatures. Elles donnent cette possibilité d’observer plus précisément ce qui nous entoure, de voir le vivant autrement. 

Vous détournez aussi les nouvelles technologies comme l’impression 3D. Qu’est-ce que cela apporte à vos créations ?

Quelles sont vos influences artistiques ?

R.E : Je puise beaucoup dans la science-fiction et les univers que j’ai découverts adolescent : le dessin de Moebius, l’esthétique de Sterling Ruby ou encore les jeux vidéo comme Half Life, de vrais chocs visuels pour moi. On retrouve aussi dans mon travail un mélange d’architectures sacrées et biomorphes, un syncrétisme qui donne naissance à des objets hybrides. J’aime brouiller les frontières entre références populaires et art contemporain.

Comment vos œuvres sont-elles reçues par les publics qui les rencontrent ?

R.E : Les visiteurs y voient des « châteaux pour insectes », des micro-maisons, ou font le lien avec des univers comme celui de Dragon Ball Z. En fait, il y a une double appropriation de mes œuvres : les insectes qui colonisent les sculptures et les humains qui les interprètent avec leurs propres références. On me prête souvent un message écologique, mais ce qui m’intéresse, c’est avant tout de modifier le regard porté sur le non-humain et les liens entre art et nature. Mes sculptures sont pensées comme des outils inter-espèces. Des objets qui n’imitent en rien l’existant et deviennent des lieux de collaboration : conçus par l’humain, investis par le vivant.